Qui gli altri numeri mensili di Prospero
Anche in questo caso, come nel primo Prospero, ci piace l’idea di cominciare con un libro per gli amanti del teatro ma adatto a tutti i lettori e le lettrici. Ci voleva infatti una vita come quella di Molière per passare alla storia e arrivare, ora ad essere festeggiato a 400 anni dalla nascita; ma ci voleva poi la penna di Michael Bulgakov per dare a quella vita i contorni di un romanzo. La biografia del più importante commediografo della storia è scandita dall’ironia, dal colore e dalla schiettezza del narratore russo, qui in una nuova edizione con la traduzione e l’introduzione di Serena Prina per I classici di Feltrinelli. La curatrice mette subito i due artisti uno di fronte all’altro “a farsi da specchio”, nonostante la distanza geografica e temporale, la Russia sovietica degli anni Trenta e la Francia del Re Sole. Luigi XVI teneva in pugno Molière censurando il suo Tartufo ma riconoscendo la grandezza e la personalità del poeta con un ricco vitalizio, all’autore di Cuore di cane (nato a Kiev, un dato che ora sembra voler presagire l’inquietante destino) Stalin e i suoi impedirono qualsiasi pubblicazione (saranno tutte postume) ma non gli impedirono di lavorare in teatro, anche al teatro d’Arte di Mosca, molte sue drammaturgie furono però bloccate o soggette a modifiche. La vita del signor de Molière è emozionante e ricca di immagini emblematiche, come quelle nell’infanzia del bambino francese influenzato dalla passione del nonno per il teatro, un bambino che Bulgakov descrive così coraggioso da ribattere al padre: “Non voglio fare il tappezziere […] Voglio studiare.” (Andrea Pocosgnich)
«La danse est tellement importante que pour rendre hommage à celui qui part, on danse pour lui» («la danza è così importante che per rendere omaggio a chi se ne va, balliamo per lui»): il più vero compimento di una passione capace di attraversare intera la vita, specialmente quando vieni dal Nord Africa e dal mondo arabo, è spesso il congedo per chi non c’è più, per chi non resta. È stato tradotto in italiano (con l’originale a fronte) il bellissimo testo che la scrittrice Chantal Thomas (dal 2021 accademica di Francia) ha scritto per il coreografo francese di origini algerine Hervé Koubi, il quale ne ha tratto uno dei suoi più riusciti lavori. Il contesto è quello di una granitica avversione per il gioco del calcio poi il judo poi la lotta, tutti rituali di aggregazione maschile imposti dai padri, ai quali un ragazzo preferisce la danza. L’amore e l’emulazione esigono libertà di scelta: «Je suis dans tes pas [papa] mais moi c’est en dansant» («Seguo le tue orme [papà] ma lo faccio danzando»). Il volume molto ben curato e illustrato, comprende un testo di Koubi nel quale racconta il suo apprendimento alla danza contro la comune convinzione che “i ragazzi non ballano”. È questa pubblicazione tanto più meritevole perché alimenta un settore in Italia poverissimo, quello dell’editoria per la danza spesso schiacciato su titoli inutilmente divulgativi, e poi perché documenta la vitalità editoriale del processo creativo dell’omonima coreografia per sette danzatori che Koubi ha realizzato nel 2018. (Stefano Tomassini)
Ermanna Montanari siede su un gradino di cemento nell’aia della vecchia casa di Campiano. È bambina, è già adulta. Coi suoi occhi bizantini fissa l’enigma del tempo della campagna. Un mare di terra nera, grassa, sprigiona tutti gli odori di cui si nutre, sterco e pioggia, ma anche di più antichi e minacciosi. Li sente tutti Ermanna, che scrive del suo incubo ricorrente: un mostro sul limitare dell’aia minaccia l’infanzia e la casa. È il demone della controra, mito della civiltà contadina, è una nonna-strega che parla con gli abissi in un pozzo, è il sesso gonfio di umori sfiorato da mani preadolescenti nei ripari ombrosi lungo i canali, è un padre padrone burbero e spietato nell’amore, è Marco Martinelli che cammina tutta la notte per incontrare Ermanna all’alba, dopo un litigio. L’abbaglio del tempo è un romanzo autobiografico per immagini. La lettura prende il ritmo di una raccolta fotografica, che costruisce memoria attraverso la scrittura della luce, una luce troppo intensa che abbaglia come la pianura, dove l’aperto prima invita all’affondo, poi ci sottrae ogni riferimento, tanto è vasto l’orizzonte. In questo tempo doloroso incontriamo i loci del teatro di Ermanna, la genealogia della sua voce fra latino e dialetto e corpi familiari. Ermanna giramondo qui è ancora viaggiatrice di distanze infinitesime, ma il mondo è già tutto nell’aia campianese. Il congedo è al presente, omettendo quei fatti di teatro che in parte già conosciamo. La scrittura si scioglie, verso il finale, in una struttura epistolare in versi. Come pagine ripiegate verso il dorso, la loro origine. (Andrea Zangari)
Nel 2020 e nel 2021 il teatro italiano, ma non solo, ha vissuto interi mesi, potremmo dire, di disconnessione dalla propria essenza, da quel rito collettivo che vorrebbe vederci insieme nello stesso spazio e nel medesimo tempo. Numerosi sono stati gli esperimenti performativi a distanza, alcuni teatri o soggetti produttivi hanno cercato soluzioni momentanee, altri hanno inteso la possibilità di ricercare qualcosa di nuovo e più profondo, altri ancora hanno lavorato sull’archivio (rendendo disponibile una documentazione video prima inaccessibile). Però la questione andrebbe inquadrata anche dal punto di vista degli studi teorici, allora potrebbe essere utile andare a leggersi un volume pubblicato proprio nei primi mesi del 2021, Théatron. Verso una mediologia del teatro e della performance”. Il teatro e più in generale le arti performative «in che modo si rapportano con i media digitali? Il teatro può essere considerato un medium?», la scommessa insomma, nelle 187 pagine edite da Meltemi e scritte da Vincenzo Del Gaudio, ricercatore all’’Università degli Studi di Salerno, è quella di fornire gli strumenti con i quali far entrare in relazione i media studies con la teatrologia. Dopo un corposo capitolo teorico il volume entra nel vivo dell’analisi dello spettacolo mutimediale nello specifico intermediale, per affondare poi – sempre attraverso una serie di esempi di permance teatrali italiane o internazionali – nelle questioni della liveness e dell’utilizzo del video in scena. (Andrea Pocosgnich)
Attraversamenti Multipli due anni fa ha compiuto vent’anni: è uno dei festival di arti performative più longevi della Capitale. La danza, il teatro e la creazione scenica contemporanea, nella mente dei creatori, Alessandra Ferraro e Pako Graziani di Margine Operativo, ha spesso incrociato il meticciato dei luoghi: spazi laterali per geografie e filosofie, dalla metro Anagnina, nel bastione ultimo della linea A fino al nomadismo nelle piazze difficili come quella di San Lorenzo, per poi approdare negli ultimi anni nella dimensione quartiere del Quadraro. Nel mito dello spaccato cittadino partigiano Attraversamenti ha impiantato i proprio rami, in connessione con altri soggetti votati a relazionarsi con le pratiche artistiche del contemporaneo. Lo sguardo di Alessandra e Pako sul teatro, la danza, il circo è sempre stato smaccatamente curioso, trasversale e in grado di mescolare filosofie e linguaggi. Ecco allora che questo volumetto edito da Editoria & Spettacolo e curato proprio da Graziani e Ferraro ben rappresenta anche nella forma la stratificazione degli attraversamenti: si muove come un diario e utilizza testi di altri, interviste rilasciate negli anni, articoli di giornale, saggi, brani di riviste, ma ciò che colpisce è anche l’archivio fotografico squadernato. Sono immagini che raccontano anche una Roma diversa, in cui forse era più facile osare e inventare. La grafica di copertina è ripresa da una foto del 2006 in cui il “trenino” (che a quel tempo copriva la tratta Pantano-Laziali) sembra sospeso nel nulla, tra il teatro e l’utopia. (Andrea Pocosgnich)
Permetteranno i lettori e le lettrici se qui parleremo di un libro in cui è presente anche un testo di chi scrive questa scheda, ma lo facciamo per la particolarità della pubblicazione e per la forma corale. Quale teatro per il domani? Nel 2020 ErosAntEros, compagnia ravennate organizzatrice di Polis Teatro Festival (tra poche settimane, a maggio, l’edizione 2022) si interrogò sul futuro del teatro, tra sistema e linguaggi. Il festival in quell’edizione del 2020 ospitò un convegno in cui cominciare a far risuonare la domanda che poi avrebbe dato il titolo a questo volume curato da Agata Tomšič: più di 260 pagine edite da Editoria e Spettacolo in cui intrecciare le parole e i pensieri di 57 autori e autrici provenienti da 11 paesi diversi. Vengono dall’organizzazione, dal palcoscenico (attori, attrici, registe e registi), dall’accademia (la postfazione è di Marco De Marinis), dalla drammaturgia, dalla critica. La curatrice (oltre all’introduzione e alla postfazione) ha diviso il volume in cinque sezioni con cui declinare l’interrogativo del titolo: Spazio, Parole, Visioni, Linguaggi e Corpi. Il volume è una mappatura di riflessioni ma anche di tracce preziose che possono restituirci quei mesi immobili, come accade nelle parole scarne ma precise di Julia Varley: «Uno dei modi per prepararmi, è stato trasformare la mia casa. Nel mio salotto ho spostato tutti i mobili e i tappetti. Lì ogni mattina mi alleno e provole scene per il nuovo spettacolo su cui stiamo lavorando. La mia casa ha un aspetto totalemente differente dal solito; è diventata il mio teatro personale». (Andrea Pocosgnich)
