Il viaggio di Damiano Michieletto a Reims

Damiano Michieletto ha esordito nel 2015 ad Amsterdam con la sua regia de Il viaggio a Reims, particolare opera di Gioachino Rossini che è arrivata sul palcoscenico del Teatro dell’Opera di Roma. Recensione

A dieci minuti dall’inizio dello spettacolo, tra le file del piccolo loggione del Teatro dell’Opera di Roma inizia un sommesso ma costante borbottio: «Che ci tocca vedere!», «Uno scempio per Rossini!», «È una vergogna!», «Avrei dovuto portare il fischietto!». Evidentemente la fama di Damiano Michieletto, regista dinamitardo, eversivo e a detta di alcuni vergognosamente moderno, è ormai nota a tutti e la sua presenza qui a Roma sembra non essere approvata dagli ultimi strenui conservatori, autoeletti salvatori del patrimonio musicale italiano.

Tuttavia, a ben guardare, l’intervento del regista quarantaduenne su questa particolarissima opera rossiniana sembra essere più improntato alla costruzione che alla distruzione, nell’ottica di riportare in vita e donare coerenza ad una partitura fragilissima che è stata oggetto di approfonditi e lunghi studi musicologici negli anni passati. Definita un vero e proprio “giallo” dallo stesso Philip Gossett (il musicologo che più si è occupato della ricostruzione di quest’opera) – scomparso lo scorso 12 giugno a soli due giorni dalla prima romana -, è frutto della ricomposizione di diversi stralci di partitura (una parte consistente estratta dal successivo Le Comte Ory e le altre ritrovate al Conservatorio di Santa Cecilia a Roma).

Il viaggio a Reims nasce come composizione-omaggio, commissionata a Gioachino Rossini in occasione dell’incoronazione di Carlo X di Francia, messa in scena per la prima volta al Théatre Italien a Parigi nel 1825 e poi, dato il carattere celebrativo e circoscritto dell’evento, ritirata dopo tre recite. Si tratta di una delle opere musicalmente più sofisticate del compositore che, non dovendo in questo caso preoccuparsi di comporre un blockbuster per accontentare il pubblico pagante, lascia la forma musicale come unica, vera protagonista. La trama, assai flebile, diventa il pretesto per l’esibizione vocale dei grandi cantanti dell’epoca: la struttura si articola in un imponente atto unico (circa tre ore) che alterna arie a pezzi d’insieme; ci si trova essenzialmente di fronte a una lunga “parata” canora, una sorta di Festival di Sanremo ante litteram.

Michieletto coglie la sfida celata dietro un’opera senza storia sovrascrivendovi la propria: l’azione è trasportata ai giorni nostri all’interno di un museo d’arte moderna, nel quale la direttrice Madama Cortese (Francesca Dotto) deve realizzare una mostra in cui comparirà il quadro dipinto da François Gérard nel 1827 raffigurante proprio l’incoronazione di Carlo X. Don Profondo (Nicola Ulivieri) diviene allora un critico d’arte e un collezionista, Lord Sidney (Adrian Sâmpetrean) un restauratore, mentre tutti gli altri sono gli stessi protagonisti del quadro, comparsi come per magia durante la notte tra le sale del museo, persi in un varco spazio-temporale che li ha trascinati nell’epoca contemporanea.

Tra i dipinti di René Magritte, Frida Kahlo, Pablo Picasso e Keith Haring avviene il surreale incontro di vecchio e nuovo, nel quale ogni personaggio ricerca la propria dimensione. Se la Contessa di Folleville (Maria Grazia Schiavo) si appassiona facilmente alla borsa laccata di Madama Cortese e il Cavalier Belfiore deruba un visitatore dei suoi vestiti odierni per conquistare la bella artista del museo Corinna (Mariangela Sicilia), Lord Sidney è così affascinato dalla donna raffigurata nel dipinto che sta restaurando da innamorarsene follemente. La distinzione dei piani è ben sottolineata dall’enorme cornice che delimita lo spazio del quadro di Carlo X, dividendolo da quello del museo, senza che manchino però le similitudini: la scena del litigio del Conte di Libenskof (Merto Sungu) con la Marchesa Melibea (Anna Goryachova) viene replicata al di fuori della cornice da due ragazzi in abiti contemporanei, che provano le stesse emozioni dei protagonisti in costume.

Nell’ottica della contemplazione e della pacifica compresenza postmoderna di antico e moderno, come se fossimo in un museo appunto, va colta questa regia che si rivela metafora dell’opera stessa: si ascoltano i raffinati brani composti per i cantanti nello stesso modo in cui si ammirano i bei dipinti. Così lo spettacolo, pur lontanissimo dalle ambientazioni del libretto, riesce a riportarci intatto il senso ultimo della composizione originale, coadiuvato anche dalle ottime prestazioni vocali degli interpreti (Schiavo e Sicilia le vere protagoniste dell’opera, più che i loro personaggi) e dalla direzione spigliata, ma attenta ai dettagli, di Stefano Montanari.

A dispetto dei dissensi iniziali, e nonostante qualche defezione durante l’intervallo, la restante (e consistente) parte del pubblico conferma il grande successo ottenuto al debutto da Michieletto al Het Muziektheater di Amsterdam nel 2015, senza risparmiare applausi per cantanti e direttore, nonché per il coro, che questa regia ha il merito di valorizzare nei suoi singoli elementi e non come massa indefinita.